​​从听完punch开始，但不仅限于它的一些想法

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​ ​   所有某种固定形式的艺术活动，在发展过程中总是会有一些分支往另一种形式靠近。比如“画一般的诗”；高更说色彩绘画进入了音乐阶段；爱森斯坦用交响乐的架构剪辑电影；康定斯基在《点线面》里做的声画对位实验。将创作或者艺术表达比作在黑暗的矿洞里发掘真相，不同的形式就是不同的工具，在前沿开辟道路的艺术家们在发掘真相的同时，总是不遗余力地探寻手中工具的全部效用。文字是否能够达到绘画的效果？绘画能否做到音乐做到的事？柏辽兹的《幻想交响曲》是标题音乐赋予音乐以本来是文字效用的叙述性特征的一次尝试，但侧重于叙述性的音乐，将另一种艺术形式的特征借用并赋予，究竟是通往真理过程中的另辟蹊径，还是错误的南辕北辙？

​ ​   kpop作为产业发展至今，视觉性成为了它的象征，于是存在于这个产业中的音乐面临了两种选择。第一种，音乐完全服务于画面，成为画面的附庸（画面包括mv，造型，舞台等所有以视觉效果为先的表现形式）。音乐退居二线，成为一组连贯画面的背景，不再具有重要地位，最大作用是烘托和制造氛围，为画面带来的感官享受腾出空间。这样带来的效应是音乐制作被削弱，编曲单薄，没有画面配合下的音乐显得乏味，也就是很多人所说的“好歌越来越少”。因为给听觉和视觉带来审美体验的所需成本相差很多，放弃音乐而追求视觉效果，在一个高度产业化的作品里是合理的商业决策。第二种，保证音乐的独立性和完整性。能够做出第二种选择的音乐人是有能力也有权利的少数，以至于他们能决定音乐风格的侧重以及走向。于是一些音乐坚持了原有的诉求，有更稳定的架构和更清晰的条理，这些作品代表着流行乐诞生至今的沉淀。而另一些音乐则表现了另一种态度，既重新思考这个产业里音乐与视觉的关系。如果在这个以视觉效果为重的产业坚持做音乐，那么音乐能否也成为达到视觉效果的一种工具，音乐能否做到画面做得到的事，或者至少，成为视觉效果中不可或缺的一部分，而不是一个可有可无的背景？

​ ​   通过音乐达到视觉效果，还是在一个高度产业化的环境里，这是可行的吗？

​ ​   视觉效果与视觉形象有关，视觉形象即为视觉符号，而符号的一切都关于意义。带来审美体验的视觉作品，人们因为当中符号的组合感到愉悦，本质上是因为当中意义的重叠，解构和再创造，视觉符号的基础在于对这个视觉符号的集体记忆，对这个符号的集体记忆构成了它的意义。所以人们对kpop制作精良的mv买单，因为当中视觉元素的搭配激起了与之相连的集体记忆，从而带来快感。泡泡糖可以作为一个符号，代表童年，童真，纯洁，红气球也可以作为一个符号，穿西装的人，戴贝雷帽的人，染红发的人，都是一个符号，代表着集体记忆的积淀和背后被赋予的意义。高度符号化的艺术代表是诗歌，明月是思念，竹子是品格，这种来自文字的隐喻和象征手法代表着符号化的高度成熟，现在也被运用在了kpop mv中。

​ ​   那么音乐能不能采取这种方法呢？音乐中有没有听觉符号呢？能不能够像视觉符号那样承载一个确切的意义，一种集体记忆的积淀呢？

​ ​   视觉符号的清晰直观明了是音乐很难达到的，音乐的形式决定了它无法像文字或符号一样简单地被复刻，因此传播性受限，在形成广泛的集体记忆上有着先天缺陷。相较于寻找特定的音乐符号，流行乐更多的是寻找模式中的集体记忆，例如对于歌曲长度和三段式结构的音乐期待，交响曲编曲风格带来的磅礴感，特定和弦适用于抒情曲，小提琴音色缠绵萨克斯则忧郁，这些都是流行乐在音乐之前的发展基础上提炼的。和视觉符号不同的是，视觉符号是从生活情景中直接截取形象进行意义提炼，但流行乐则是在脱离生活情景进行二次提炼的基础上再次进行提炼，这使得它的感染度比起视觉符号更低，有在音乐本身的圈子里自说自话之感。

​ ​   那怎样才能打破这个圈子，像视觉符号一样激发起一种能与之媲美的集体记忆呢？首先回答，是否有承载着集体记忆的类似视觉符号的听觉符号，答案是有。警笛声，婴儿哭声，教堂钟声，木鱼声，这些都是承载了集体记忆的的听觉符号，但它们是音乐吗？除了以上提及的，随着文化渗入，麦当劳广告曲有了集体记忆，Windows开机声有了集体记忆，电子游戏声也有了集体记忆，这些是音乐吗？声音和音乐的界限在哪里？

​ ​   kpop产业表现视觉效果的重要手法是拼贴，拼贴指的是将两个或多个本不相关的视觉元素放入画面，通过组合和对比产生新意义。如果音乐也采用这种形式呢？不同音色，不同语言，不同风格，不同类型，不同节奏，甚至是声音和音乐的拼贴，通过近似于拼贴的方式进行融合，在保证完成度和艺术性的基础上，能不能达到这种效果呢？

​ ​   拼贴在利用的同时消解原意义，创造的同时传播新意义，这个过程中必定伴随着解构与建构。kpop产业中，视觉的解构与建构比听觉的更易入手，因为视觉首要追求的冲击力与解构的效果不谋而合，而囿于受众的音乐期待，音乐的解构更具实验性和争议性。眼睛是可以被挑战的，但耳朵是难以被驯服的。

​    因为是以punch开始的，那么也以punch为例。当然也有很多在这条路上尝试着的作品不一一举例。不论能否达到这种效果，以punch举例的这些作品都已经往这个方向努力，这些作品都有着明显的思考痕迹，它们做出来不是为了迎合你的耳朵，而是为了磨合你的耳朵。用脑子去听，用耳朵去看，是这些作品的特征。不论是消防车的警笛，西蒙说的毛利语，或者是punch的街机音乐，恰当或者不恰当的拼贴，挪用，重组，都与画面严丝合缝地贴合，成为一幅庞大图画的一部分，唤起你的感知。

​ ​   punch重新编排的街机音乐，碎片的人声和乐器夹杂在电子音效中，打碎再组装的歌曲解构，歌曲中每一章都鲜明短促，上一部分和下一部分的关系除了承接之外还有对比和颠覆。这些都在不断挑战听众的期待极限。

   从想要呈现视觉效果这个思路走，或许能够解释它对歌曲结构的打碎和重组。将习惯中的歌曲结构打散，音轨重叠，各个片段交叉出现，这种做法事实上对抗的是音乐的线性特征，音乐作为时间艺术，和视觉的空间艺术不同，审美感知是以时间线性推进的，听众在时间中线性地经历铺垫、高潮、结尾，但是在视觉代表的空间艺术中，审美是不遵循客观时间的，你的视线可以在任意时间经过和停留画面上的任意一点。这种层叠的，此起彼伏的，非线性的体验，也许是歌曲想要通过打碎和重组，通过对结构的改变，带领听众跳脱于客观时间，而穿越于心理时间所达到的

​ ​   他们的实验当然没有一直就如此先锋。流行乐和古典乐，人声和乐器这种较容易被接受的拼贴在早前作品里业已出现，如今开始剑走偏锋，是否有穷途末路之嫌还有待探讨，但这样的迈向艰涩的探索同样也是每个表现形式的必经之路。达达主义之后，纽约抽象表现主义被诟病内容空洞，空有噱头；明清之后，诗词陷入意象堆砌，过度用典的困境。所有如此，本意想要打破自身形式中自说自话的怪圈，最后依然困于精英主义。

​   于是我说，能听懂的部分我很喜欢，半是玩笑半是真心。我不用“难听”封锁住一扇可能的大门，也无意用喜欢与否划立欣赏阶级，条条大路通罗马，音乐无对错，个人喜好而已。​​​​​​​​​​